Profiel van 华没有花香的花园Foto'sWeblogLijstenMeer  |  Extra Help |
|
29 oktober 当年的美术史论系已成为了历史听杭州的朋友说，当年我就读的美术史论系于今天摇身一变，成为了人文学院！庆贺啊
 光名字就风光得很，里面包括有艺术史、考古与博物馆、视觉艺术和艺术策划四个系，功能也齐全啊。
想当年，小小的一个史论系，两年招一届，每班也不超过10人。我进校的时候，我班8人加上一届8人，本科生加起来总共16人，系里的老师就有十几个吧。上课的氛围也很好，桌子都并一起，凑一块儿看幻灯，一起去博物馆看展览，一同下乡考察，就八个人，多随意啊！现在一出场，该是多浩大的场面啊！
如今运动会肯定是不愁人数了，学校的合唱比赛也不用老是可怜兮兮的小合唱了，在学校的地位也应提升了吧。不像当年的我们，走出来也没什么气势，参加任何活动总是人数不够，所有本科、硕士、研修、进修加一起也抵不上人家一个班。现在终于可以扬眉吐气了～～～
那些仍然在学校里奋斗的我的同学们啊，好好努力呀，新学院的前途就靠你们了呀！再次表示祝贺～～～ 28 oktober 两个世纪的艺术追求（三）不一样的巴洛克
巴洛克，原意指的是“不规则的、不完美的珍珠”，作为一种艺术风格，是指17、18世纪时期出现的一种对16世纪矫饰主义的反动艺术潮流，它追求激情的表达、夸张的动感、紧张的力度、对比的光影、非线性透视。巴洛克艺术风格在建筑和音乐中最完美地展现出来，而在美术中，第一个让人想起的便是鲁本斯，这位高产的画家对动感的线条可谓发挥得淋漓尽致，画面中强烈的视觉对比和戏剧性的叙述方式，成为了巴洛克美术的典型风格。但是，回顾西方美术史，可以发现，巴洛克艺术的表现形式也是多样的，在各个地区展现出了不一样的面貌，这一点，在此次的展览中也能体会。
西班牙的巴洛克
在巴洛克时期的西班牙画家中，委拉斯开兹（1599-1660）（据学西班牙语的妹妹说，应该翻成贝拉斯克斯）有其绝对性的重要地位。他对拉斐尔、米开朗基罗、提香的艺术极为感兴趣，所以在他的作品中也或多或少地看到某些他们的影子。委拉斯开兹的作品主要分两类，一种为宫廷贵族所画的肖像画，另一种是为平民所作的风俗题材画。从他的作品中，让我们看到一个真实的社会。在画家的心中，没有所谓地位的高低，他真实而平等地把他们表现在了画布上，没有对贵族的阿谀奉承，反而对底层社会平民具有博大的同情。就连小丑也成为了他绘画的对象，这在当时是一种极大的突破，也是对由皇室贵族统治的艺术世界一个大大的打击。
《宫娥》是委拉斯开兹的一件倾力之作。画面表现了一间宫廷中的工作室，中心人物是5岁左右的玛格丽特公主，可爱又天真，陪伴着她的是几位宫女、修女、侏儒和狗。画面极富戏剧化的色彩，如一幕情景正生动地发生着。尤为引人注意的是这件的构图布局，左边的画架背对着观者，无法得知作品的画面，同时也制造了空间感，将观者和画面设置于不同的空间中。还有，对于前景和后景的景深处理，画家表现出了精致的空间错位。画面中人物之间的关系也处理得极为微妙，似乎有很多的故事在其中。对这件作品，后世的画家也表现出了极大的兴趣，戈雅曾经对照此画作过版画，毕加索曾对这一主题画过四十多件变体……正是这种不确定性和神秘感，让后来人有着很多的解读，而这种朦胧、模糊的感觉也正是巴洛克时期的趣味。
法国的巴洛克
在法国，巴洛克时期的代表画家首推还是普桑（1594-1665）。在看画展时，同事们表现出了极大的好奇，为什么普桑的绘画风格和同时期的作品有着极大的差别呢？我想，应该是画家的个人趣味对创作风格的巨大影响。普桑，一位对文艺复兴有着浓厚兴趣的画家，毫无保留地在他的作品表现出了这种倾向性。更值得一提的是，他尤其喜欢拉斐尔的作品，这一点似乎可以解决问题的一半了。另外，在他访问意大利的过程中，第一站威尼斯对他产生了极大的触动。对于提香，也曾一度崇拜。诗意的画面、人与自然的和谐成为他作品的主题。对古典绘画的痴迷，使他对古典题材的创作一直持续，理性成为他作品的指导原则，但是画面中的人物却是生动的。他的作品表现出的一种井然有序的状态，诗一般的视觉效果，深深地触动着观者的心底。这种对古典主义绘画的极度热忱和对古典情怀表现，影响着之后的画家们，如安格尔、塞尚等和新古典主义，同时也影响法国美术对古典绘画的情有独钟。 《阿卡迪亚的牧羊人》（1637-1639） 《海神尼普顿的凯旋》（1634）
《诗人的灵感》（约1630） 《时光音乐之舞》（约1638）
25 oktober 昨日霜降翻翻日历，发现昨日已至霜降。
听这名字怪冷的，但是空气中闷闷的燥热依然没有散去。
听说，要下雨了，但是还没有动静。
手头的事情还是很多，怎么就没完没了了呢？
不喜欢拖沓的感觉，但生性就是有点懒。
计划永远被无限期的延后，所谓的on time总是难以实现。 上下班路途的消耗很大，包括时间、体力和车费。
可爱的雁老师送来了蛋糕，今日她生日。
原本低落的心情，却因甜甜的蛋糕味变得舒畅起来。
再次说一句，生日快乐～～～
最近似乎好多人过生日，我的生日也近了。
祝天蝎们都愉快！！！
22 oktober 两个世纪的艺术追求（二）谈谈戈雅（1746-1828） 戈雅，是一个长寿的画家，一生作品无数。刚开始，他为皇家工场绘制挂毯，无论是构图、色彩、题材上都具有新意，马上获得好评。之后，他为一些重要的人物画了肖像画，其社会地位也越来越高。1799年，他已任首席宫廷画家。
在他六十多年的艺术生涯中，其艺术创作一直发生着变化。这也正是为什么称他为浪漫主义先驱的原因之一。浪漫主义，是18世纪后期，发生的一场重要的艺术运动。它强调个性、主观、想象和自由，艺术形式也不再拘泥于新古典主义，将个人的情感融合在作品中。他的作品《裸体的玛哈》和《着衣的玛哈》就是反应了这种新的艺术。裸体是古典主义艺术的一种典型的表现形式，而戈雅将这种古典艺术的形式和世俗的题材结合在一起，是一种对古典精神的反叛。画面中还表现出一种神秘感，画面人物的内心世界似乎牵连着观者的心，大家试图想去寻找她内心的情感世界。
让戈雅在艺术史上占据重要地位的作品是《1808年5月3日的枪杀》，西班牙民众与法国入侵者奋起抗争，而法国人采取了强烈的镇压行为。这一次的事件对戈雅产生了极大的影响，他将这种内心的情感表现在画面中。那位保卫者显然成为了画面的中心，身穿白衣的他双手伸开成十字，极为突出，背景中有一教堂建筑，这些都有象征性的意义。戈雅将绘画语言彻底解放，通过夸张变形的各种手法，追求叙事的紧张性和戏剧性，抓住事物发生的某一瞬间，体现出他艺术上的自由。
戈雅的自由体现在他对题材的选择上、技法的运用上、形式的表现上和内心情感的表达上。他的作品完全是一种内心真实情感的体现，抛弃古典主义形式的规则，将自由奉为最重要的艺术精神。
裸体的玛哈 着衣的玛哈
21 oktober 美味今日，老爸和老哥出去钓鱼，收获颇丰。 尤其是老哥，打破单条重量的记录，创造了一条鱼12斤的好成绩。据说，把它捕上岸花了半个小时，辛苦了，在此奖励一下 晚上，他还特地做了酸菜鱼，虽说颜色看上去不怎么样，但味道确实很不错的
19 oktober A.C的诞生昨天，10月18日，一个异想天开的想法开始正式进入实现的轨道，心里有一种暖暖的满足感。
能和好朋友们一起做事情是特别有意义的，甚至超过了事情本身。交流、回应、提示和改正，使原本凌乱的思维变得清晰，也让自己立体了起来。
天马行空的记忆会很快逝去，留下的空白是遗憾都填补不了的。好多事情只有做了，才能证明真实的存在。
昨晚，认真地开始操作起来，发现困难重重，但是却激发起我的挑战欲。
有时，结果并非重要，但过程令人满足。 体力劳动和脑力劳动打开图片，准备看图写字 ，已经连续好几天这样的工作，图片属于同一类型，但每张图片都要配以100多字的说明文字，似乎还不简单，绞尽脑汁想着各式各样的形容词，两个字的，四个字的，会的都已经用上了。
窗外，一个小伙子正在粉刷阳台。阳台由一根根小圆柱组成，每一个都将被刷成统一的白色。当我开始第一个说明文字的时候，他正开始第一根圆柱的粉刷。从上往下，再从下往上，横着刷，再竖着刷，既不能遗漏，又要均匀，动作简单而枯燥，又是高空劳作，还蛮辛苦的，我这么想着。
继续我的说明文字工作，傻傻地看着图片，从头看到尾，从整体看到局部，从结体看到笔法，从横笔看到竖笔，从撇看到捺，争取把所有的信息都囊括，来拼凑可怜的100多字。但事实上并不简单，重复的形容词要避免，又要针对每一张图片的特点，能清楚概括这件作品的特点，文字又要切实体现出这本画册的专业性……时间过去了快一个小时，不断察看着工具栏里的字数统计，努力让这个数字接近三位。
正在万分痛苦之中，抬头舒缓一下紧张的脖子，突然发现窗外的圆柱已经是齐刷刷的白，数了数，已完成了近20根。看着他辛苦的刷刷刷，可每一刷都是如此的实在，多刷一次，就离完工接近一步，只要不停地刷，就会胜利。他消耗着体能，但每一分力气都发挥着作用。
而我，看似轻松地坐在电脑前，轻便地敲打着键盘，但问题的关键不在于手指的运动，而在乎脑子的转动。每一转会消耗一定的脑力，但是不一定产生有效的成果。经过千丝万缕地思考，得出的那几个字也未必就是可用的。一下子写个几个字，一下子又用回格键把它们擦去，来来回回地，脑子未曾停歇，可字数却依然艰难地呼喊着目标。
于是，这貌似辛苦的体力劳动和轻松的脑力劳动，到底哪个实现了自己的基本价值？
附：此日志写于前日下午三点，由于网络原因，拖至现在发布。 16 oktober 两个世纪的艺术追求（一）上个星期二，和同事们去上博看了计划颇久的展览，“从提香到戈雅－普拉多博物馆藏艺术珍品展”（这个展览信息在我ｍｓｎ上也挂了很久）。展览还真不错，算是近几年上博西方艺术展览中较好的一次。这展览也看了有几天了，一直都没有写体会，一方面是因为那天看展览的时候说的太多了，要写的话都说了
 当时被大家问的，胡言乱语说了一大堆，有啥不对的，大家请包涵 不过，总归是看了展览，不说好像错过什么，于是再上来胡诌一下下……从提香到戈雅，看这名字，其实没啥意思，拿两位大师出来作作噱头，不过它倒是说明了此次展览的时间跨度－－16世纪到18世纪。几十件作品要包含两个世纪难度太大（其中也并非都是代表作品），要在一篇日志中说清楚两个世纪的事情也是件难事。不知从何说起，说到哪儿是哪儿吧～～
不变的题材
神话、宗教题材是贯穿于西方艺术史的，不同的文化土壤培育不同的文化思想，西方的文化思想就体现于西方的神话和宗教中，西方美术也无法逃离这两大题材。但相同的题材，演绎的是不同的艺术追求，展现的是不同的艺术魅力。
说说提香
文艺复兴三杰的光芒遮住了很多艺术家的亮点，但如果他有自己的艺术价值，总归是无法被掩盖的，提香就是这样的一位画家。这位长寿的艺术家，始终保持着对艺术的追求，他的作品充满着不断的创新。最值得注意的是他的肖像画和神话题材的作品，对人物性格的准确描绘使他的作品更真实和亲切。这也正是威尼斯画派的重要特征之一。威尼斯浓厚的商业气息，在艺术作品中表现出一种轻松的世俗化。人文主义思想在他的作品中得到深刻的表现，于是神也有了世俗化的面容，他们和人有了交流。意大利罗马和佛罗伦萨的作品永远保持着和人的距离，犹如演出一场戏剧般，在起因、发展、高潮和结尾中将事件完整地展现，各种环节转换得如此的自然，达到一种高度的和谐，而观者只能待在舞台下，欣赏着整个演出的过程。而威尼斯画派的作品，如同生活小品，随时发生在周围。里面的人物是很触摸的，他们的喜怒哀乐是可感受的。但是，故事交待得也决不含糊，同样有着起因、发展、高潮和结尾，只是多了更多的戏剧冲突。在提香的作品中，大胆的色彩对比、自由的笔触表现、精确的人物性格……历经起伏发展之后达到一个最强音，然后又恢复了平静。同样是和谐，只是他的方式来得更为剧烈。提香之后，这股强烈的情感便一发不可收拾，从委罗内塞到丁托列托，无论是在构图上，还是色彩运用上，都将冲突表现得更为激烈。
（待续）
天上的爱和人间的爱
乌比诺的维纳斯 09 oktober 丘比特是个调皮的小孩丘比特，是战神阿瑞斯和爱神阿佛洛狄忒（维纳斯）的儿子，他被人们喻为爱神的象征。小爱神手里有一张金弓、一枝金箭和一枝铅箭，被他的金箭射中，便会产生爱情，即使是冤家也会成佳偶，而且爱情一定甜蜜、快乐；相反，被他的铅箭射中，便会拒绝爱情，就是佳偶也会变成冤家，恋爱变成痛苦、妒恨掺杂而来。
掌握着如此重要爱情命运的丘比特，却总是调皮，爱搞恶作剧，他每天背着他的箭袋飞来飞去，一会儿把金色的箭射向这个，一会又把铅色的箭的射向那个，搞得众神晕乎乎的，一出出爱情的悲喜剧就不断地出现。有一次他把金箭射中了阿波罗，于是，阿波罗不可救药地爱上了达弗涅，可丘比特同时又将铅箭射中了达弗涅，一场悲剧产生，这也是著名的恋爱事件。阿波罗动情地追逐着达弗涅，可达弗涅又拼命地逃跑，逃到无能为力的时候，只好求救于她的父亲－－河神。于是，就在霎那间，她的手臂长成了枝叶，双足化成了树根，整个人变成了一株桂树。
好多艺术家都为这激烈的瞬间演绎各式的版本，尤其是贝尼尼的大理石雕塑《阿波罗和达弗涅》，将这悲剧最动情的瞬间凝固。在巴洛克风格的表现下，那圆润、流畅的线条，饱满、热烈的激情，无奈、绝望的情感充分散发出来，感叹之气也在它的面前冻结。
众神如此，人间亦何？难道真的去怪一个调皮的小孩吗～～～
－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－－
本来是说爱情的，结果不小心又扯到艺术了，既然如此，那么就放两张图片看看吧
乔凡尼·洛伦茨·贝尼尼，《阿波罗和达芙妮》，大理石雕像，作品创作于1622--1624年，现收藏于意大利罗马的博格斯美术馆。
约翰·威廉·沃特豪斯（John William Waterhouse），《阿波罗和达弗涅》（1908），布上油画，145×112厘米，私人收藏 。 07 oktober 谈谈女性主义绘画先插一段：看了看上一篇日志的时间，发现已近一个月未更新我的空间，实在惭愧
 一般不写东西有两种可能，一则脑子混乱，没有思路；二则便是根本没动脑筋。此次事件属后者，趁课题完成的间隙，偷了个小懒，嘿嘿。。。不过答应别人的事情是不能忘的，在十一长假的最后一天，赶快开动脑筋，把债给还了。说正经的。曾和小鱼谈论起女性主义绘画，并答应写点零星文字。那么该从哪里说起呢？想来想去还是要从弗里达开始谈起。今年是这位女画家诞生100周年，全世界都在举行各式各样的纪念活动，“弗里达·卡洛1907～2007”展览在墨西哥城美术宫博物馆举办，今夏弗，里达成为最热闹的艺术话题之一。
大多数人了解弗里达是从她的传记和电影，她的丈夫是墨西哥壁画艺术大师里维拉，她经历了与众不同的命运，她的人生故事成为众人的焦点，而其绘画创作只是其中的插曲，并非主旋律。而在艺术角度，习惯上都站在女性主义的立场来看待。这种解读是容易的，也是合情合理的。在她的绘画作品中，充斥着对爱情、婚姻、生育的表达，并且都是一种痛苦的流露。其痛苦的根源主要来自于两方面，“我生命中遭遇过两次巨大的灾难。一次是被车撞了，另一次是我的丈夫。”一个是肉体上的痛苦，另一个则是丈夫的背叛，里维拉对爱情的不忠一直折磨着弗里达，在作品中也不断有表现。
女性的视角是独特的，很多的因素是男性无法触及和体会的，但这真的就可以将绘画判定它们的性别吗？这几日一直在思考这样一个问题。“女性主义”确切的概念是什么？女性画家所做创作便都归类于此吗？其对立一面应该是“男性主义”，但艺术史上，却没有这个概念。我们总是习惯于把历史归类，来证明自己的智慧，却总是把问题简单化、狭隘化。就拿弗里达来说，女性因素在其作品中表现突出，以为拿“女性主义”帽子盖其头上，总是相安无事的，却忽略了绘画本身的语言。弗里达将自己人生经历表现于绘画中，是一种自然的释放，她并没有故意要表达女性主义的思想观念，其间不存在性别宣言，只是生育等因素正好是女性的独特经历，但不能完全掩盖其他的艺术因素。所以，从艺术角度看，此事无关男女，即没有性别区分一说。
在弗里达身上，其艺术成就也并非只基于对女性独特经历的表达，另外一个重要的因素是阿兹特克文化的表现。在她的作品中，较多出现有动植物、日月星辰等，还有对生与死的冷静表现，这些都是继承了古印第安人的本土文化和信仰；她将自己的身体转换成葡萄藤缠绕的形象，被称之为“身体风景的植物奇观”，这种人和动植物的一体表现也正是阿兹特克文化的古老造型。这些才是吸引艺术史家和收藏家追随的真正原因。
所以，一种艺术的表现，最重要的是独特的语言，所谓××主义的归纳只是为了某种意义上的条理清晰，但绝非艺术本质的定义。
写完后要忏悔，其实自己根本不懂女性主义艺术，只是知道弗里达，而在此胡乱痛述了一番。没有作过调查研究，也毫无思想准备，就在此发言，算大胆了一下下，也许小鱼从社会学的角度可以给我更多的启发。
不管怎样，债是还了，轻松了。呵呵～～
《根》，一幅自画像，在2006年纽约苏富比春季拍卖会上成交高达560万美元。
《戴着荆条与蜂鸟项链的自画像》，画于离婚那年。 |
|
|
